最近附庸风雅，视奏一点《无词歌》，却不经意地从中体会到一番前所未有的新意！指间流出的不仅仅是音符，更浮现出一幅幅画面，简直可以让人嗅到从古老欧洲的乡间泥路里钻出的清香。首先要在这里介绍其中的Op.19 No.4，不要嫌弃它飘零的音响，轻视它的结构寒酸，其实人家有着丰富内涵，简练而不简单。

 

  12月25日将近，在这些寒风凛冽的日子里，我瑟缩穿行在来往的人流之中，感到多么的孤单。然而当你聆听这首作品的时候，似乎可以体会到作曲家内心撒向所有人类的无比怜悯，在这个西方节日，仍然形单影只的人，都来感受那个19世纪善良的年轻音乐天才，给予人世的一丝温暖舆安慰吧！以前学钢琴的时候弹的都是快速的练习曲，复杂的奏鸣曲，像无词歌这种轻松的小作品，老师是不屑的。或者应该说是现在终于摆脱了时间上的桎梏，可以随心所欲地弹自己想弹的东西，中间任思绪乱飚，再也不会有人来纷扰。

  所以刚接触到Op.19 No.4的引子，便甚是欢喜，作曲家将它设计得如此的素雅，一个P的力度下右手1指轻缓地奏出强弱搭配连绵不断错落有致的十六分音符织体，却巧妙地将主题乐句隐藏在3，5指弹奏的和声层当中。这便是它的前奏了，简单的组合形式瞬间将人带到了童话里卖火柴的姑娘伫立街头的那个夜晚：金色的铃铛，挂在树梢上，叮叮当当，清脆地响；遮盖着，行走匆匆的路人。是谁兀自哼着祈祷的经文？铃声复歌声，穿不透阴冷的云层……突然间有一种“温柔的张力”，驱散了严寒。就像冬天的夜晚，窗外固然阴风凛凛，围在火炉旁却充满了温暖的安全感。因为从第二小节的次强拍开始，延续到第三小节的第二拍，门德尔松连续地使用了复音和弦。(A大调中)首先是#fm11,这里同时也是整个乐句（乃至整个作品）的最高音的所在，然后紧接着#fm9，#fmsus6连接，到得第三小节便是#fm7--#fmsus64(不知道这个标法对不对，反正看到他把六音和四音用上了)，最后落在IV7上面。铃声渐远，一切将要安静下来时，教堂开始摇响庄严的挂钟（mf力度下出现的一个正格进行），大堂里点燃所有的蜡烛，唱诗班和信徒，感恩地吟颂；便是和那个低头走路的男人，一样的虔诚。（由A段这个两乐句乐段展示）

 

  B段的对比，改变了织体，拉高了音区。隐伏在左手1指四平八稳的八分音符，仿似再次摇起的大钟，合唱旋律再次响起，清净着凡人的心灵。这里的和声用得很对我的胃口，A-D11-D（I-IV11-IV）<--这个进行重复了两遍，无形中已经造就了潜在的动力，听觉上产生了矛盾解决的需求。作者恰到好处地在紧接着的B段第二乐句的后半句使用了VI级的转位，延续了十一度的“开放性的紧张”，心，摇摇晃晃，半悬在空中，意犹未尽。最强烈的冲突慢慢远走，但是仍不能高飞，因为最高点被作者别有用心地安排在再现的第一句，你听见的音乐力度已经不再躲躲藏藏，从渐强一直去到两个f，突然在次强拍上落一个开放排列的大调降三音下属，真是心都差点被它唱碎了，我眼前仿佛看见那最纯洁的少女，扑地跪倒在神的脚下，痛苦地抿心自问：神啊！我的罪，今朝得已抵清了么？然而所有的问题，都得不到解答，因为这是静谧节日的夜晚，哪怕再强烈的钟声，也不是为了仇恨和战乱。铃铛的声音，再次清脆地响起。如果那不是雪堆从针叶松林的枝杈上滑落的声响，当星光照耀晴朗的夜空，会不会是那驾着麋鹿的慈祥老者，轻轻经过我的窗畔？

 

  今夜， 又会有谁，在Wiener Urtext版的无词歌里沉醉。

我这才知道原来自己看不懂吴祖强大师的《曲式与作品分析》这本书。怎么办呢？

 

还有，我一直很想知道，谐波等于谐音吗？谐音和泛音又是什么关系？

 

物质和意识和实践和认识世界/普遍联系的世界.

 

如果说,要坚持一切从实际出发,实事求是,要尊重客观规律,那么,我们学的音乐理论,到底属不属于客观规律的范畴呢?或仅仅是被方法论包括的众多自然科学社会科学里的一项?我们努力地让自己的音乐,贴近大众普遍的审美(这里不仅仅指流行音乐),几度泛音一起出现的时候就可能构成和谐的声音,另一种情况下可能又是紧张的音响.写交响乐有双管编制,低音一定是哪几种乐器在哪几个音区组成,曲式一定有规格,动机乐句乐段.可是紧张不紧张,和谐不和谐,这都是人主观认识而已.对立,矛盾,整体,部分,这么说来音乐也是能体现事物运动关系的一种....我能称之为物质么?但审美这种东西在特定时刻难道不是主观的吗?只是当主观的观众聚集在一起消费的时候,就成了客观.

 

到头来,作曲只是为了反映客观世界.

刚得到消息，毕业作品《造乐人的工厂》将于十月份参加巴黎的中国电影节，稍后还将参加欧洲其他各国港澳珠三角视频作品展……真是开心呐。。。。。。

 

另有意外收获，老豆有一位朋友教和声十分了得，恰逢这位叔叔回广西探亲，路经湛江的时候我们去接风，后来决定跟随这位教授回广西一段时间，从头开始再学一遍和声。时间不长，一个星期，希望能在这段时间里把我薄弱的下册再好好梳理一遍。这才上了一节课，发现自己忘性真是大，原位的连接都忘得一干二净，这才几个月呀!所以说之前总结出来的那些东西实在是不可靠，我忽略了三和弦连接的很重要的一些原则，纯粹只是当作规则来记忆，根本没有理解规则里面的原意。所以说这些笔记确实是没有用的，甚至是走火入魔的。在适当的时候，必须要重新再做总结了。

 

最近在重新感受中古调式的音阶，觉得是一件很有意思的事情^^用在创作上可以得出很有趣的音响，是一件让人开心的事情呐……

昨晚毕业音乐会结束。总结一下工作。

先记录一下自己的失误：

音乐会的后台方面

1，迟到。人，总会有各种理由迟到。一定要做好前场后台的负责工作，必须要有人催场，作者的谢幕，后台乐手的出场。音乐会一旦开始，前后台基本是属于失去联系的状态，所以至少各有一位同学来负责这个事情，实在是太重要了！以前音乐会的时候就发生过这种情况，因为乐手来不及转场而要临时掉换节目，某女前辈做这种调换节目的事情非常效率，一点也不会影响音乐会的进行，虽然她使用的手法比较粗暴，不过不得不承认，中央集权办事就是快。不像昨天，由于自己完全没有准备，结果第二个节目就因为舞蹈演员迟到而导致台上冷场两分钟之久！罪过啊……

2，音响。原本以为花钱请的音响就万事大吉了，音乐会上某同学的萧吹到一半突然不扩声了！不知道为什么昨晚的音响有点儿毛糙，动态是够大，就是底噪也跟着上去了。不过这也不能怪音响，毕竟昨天一切都很匆忙。

 

写作方面的

1，匆忙，太匆忙。晚上音乐会了，下午四点才在美院输出最后的版本，结果那个版本还是一个在最后音频没对齐，出错的版本！

2，写作上的无能。原计划在演出前两天还要修改第七第九第十场的音乐以期和画面更加贴切，没想到光是改第七场就已经改了两天，最后没能全部改完自己就屈服，放弃修改了。基本功不扎实啊！

3，我总是不能先定好结构，然后按部就班的把音乐完成。哪怕是结构定出来了也总会做到一半的时候冒出新的想法，抱着试一试的心态在琴上弹新的想法，最后就会把之前的结构忘掉，新的想法也总是没能完成。想着如果不试一试新的想法，万一错过了好的音响效果岂不是很冤？其实我完全没有理由“出轨”的，为什么要去冒险呢？我也不知道。是一种强迫症吗？

4，内心听觉。太差了，想个一四五一还行，副三和弦在心里很难想，想到了也不准确。什么原因呢？练得少吗？

 

最后，面对现实吧~……改行算了

副属和弦

 

大调             B7  V/II---Bm  III/V
                        \
                         C+ III/VI
                                  \
                                  #C-  VII/II

A7  V/III---Am  III/IV

 

        
C7  V/IV

        

       #D-  VII/III
        /
D7  V/V

 

E7  V/VI---E-  VII/IV
        \
         F+ III/II
                  \
                   #F-  VII/V
                             \
                              G+  III/III
                                         \
                                          #G-  VII/VI

 

 

小调              A  V/IV

                    B  V/V---Bm III/VII---B-   VII/III
                    C  V/VI---C+  III/VI---#C-  VII/II

                    D  V/VII---#D-  VII/V

                    Em III/III---E-VII/VI

                    F+ III/III---#F- VII/VII

                    G  V/III---G+  III/V---#G-   VII/VI

更新：
 
低音走向的总结和归纳：
 
上四   I——IV I6--IV6                           下四IV6--I6   
        V——I  V6--i6(小调，上减四)                I6--V6    i6--V6(小调,下减四)
      
 
下五   I——IV
        V——I
 
上二   IV——V   S6--D6
 

下二   IV6——V                                   上二     V6——I  I6--V2 I--V34
            I——V6   V2--I6 I--V56 I6--V34             IV——V
 
特殊情况：  IV——V6   下减五
 

转位出现后新增上下三和上下二：
 
下三   I6——I                               上三      I——I6
      IV6——IV       相反的状态                  IV——IV6
       V6——V                                          V——V6
         I——IV6                                      IV6——I
        V——I6                                          I6——V
（看似数量繁多的连接可能性，其实红色字体的是自己转换的状况。真正产生在不同和弦之间的只有两种情况）    
 
 
二、跳进小结：
 
1、三音跳进（只能发生在旋律声部和次中音声部）
 
2、和弦转换（前辈们已经总结详尽，不赘述）
 
 
3、三和弦与六和弦连接时的跳进（这里罗列的规则主要是为了避免产生隐伏五八度）
     注：目前跳进的原则是 五跳五，根跳根，三音只能被跳入。
-3.1，低音       如果是由六和弦跳出，则一定和旋律形成反向。
           （如果是由原位跳进到六和弦，不管是同向或反向都不会形成五八度，放心跳）
-3.2，旋律声部   同上，如果是又六和弦跳至主和弦，则一定要和低音形成反向。
-3.3，内声部     共同音保持。不保持作平稳进行的时候，至少有一个声部要形成反向进行。
-3.4，双跳进     五音不要放在根音上方，否则双跳进会形成平行五度。跳进可发生在高声部&中音声部 （同向的跳进）或高声部&次中音声部（同向或反向的跳进）
 
 
4、六和弦与六和弦连接时的跳进
四五度关系的六和弦连接时，为避免平行五八度而在旋律声部发生根到根或五到五的跳进。二度关系的六和弦（S6-D6）在行进中有可能在高、中、次中任一声部中发生S6的五音跳进到D6根音的情况，但不常用。总结两个六和弦连接时的规则：
-4.1、低音不可避免地跳进
-4.2、共同音保持或平稳连接
-4.3、旋律声部跳进。或双跳进。

5. 属七的转位解决到主和弦时的跳进
-5.1      V2->I6,旋律声部可五音跳五音/在任意两个声部，根音在五音上方形成四度音程的时候，可反向，同向地双跳进。
-5.2     V34->I ,旋律声部可根音跳根音。
-5.3     v56->I ,偶尔双跳进。

美术学院的仁兄把第八场的MPG传过来，我一看，女主角长得真是一般。我就差点没脱口而出说这女的怎么这么惨不忍睹啊！？碍于女孩是人家师妹，这话不能说。

 

我觉得影视作品里女主角一个基本的作用就是能让观众产生幻想。可这位不笑的时候还好，一笑简直就是狰狞。画面实在是有够吓死人。可能是她妆化得太浓，眼影涂得跟火影里那勘九郎似的。行行好，您片子已经让人看不懂，现在还摊上吓唬人这一条，绝对做作……

 

咋办捏咋办捏咋办捏……？

 

人家不拍也都拍成这样了，我只好用音乐给美化一下画面了，不知道自己有没有这功力……心寒。

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最后想了一损招，就找些音乐和画面对，看看哪些风格比较合适。最后找到YOKO的Dijurido，COWBOY的原声，很简单的钢琴+女声，中间小提和大提过渡一下，再现，over.貌似不是很难的样子，于是把Dijurido发给主创听，主创也挺喜欢这种风格。

 

于是就定了把Dijurido的结构学下来。女声不要，旋律线条就藏在钢琴里面吧。中间的过度用了长笛小提中提大提。写了两天，完成。

 

一边给主创听，一边心里想着，“怎么样？这次可是完美的COPY啊~不留痕迹，帅啊~”

好不容易等到答复：“有些小问题,就是会不会平了点呢？  最后一个镜头的时候能否给一点点高潮呢？”

 

电脑的这头我累得趴地上“对你来说是小问题，一句话可是完全否定了我对再现部分的不自信，现在更加摧毁了我试图掩盖对再现部偷工努力的脆弱的努力。”这种话能说出口吗？不能。只能自己吞进肚子里。不过他说的对，是需要一些对比，是需要一些小高潮。

 

啊，现在完全找不到感觉来修改。

 

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现在没人对我的能力有怀疑（都是不愿意说真话的家伙啊），重中之重是，音乐和画面难以融合，之才是片子看起来让人觉得做作的原因。怎么融合啊……说得简单……多尝试一下吧……

 

T6--S6
          ] 大调中上下四度，小调中只下不上。
S6--T6

 

T6--D6  下四

D6--T6  上四

 

 

S6--D6  上二

 

 

（小调中为避免上增二，可下减七，或可升高s的三音，变成大三和弦，以及产生旋律小调音阶。）

 

 

 

1、三音跳进（只能发生在旋律声部和次中音声部）

 

2、和弦转换（前辈们已经总结详尽，不赘述）

 

 

3、三和弦与六和弦连接时的跳进（这里罗列的规则主要是为了避免产生隐伏五八度）

     注：目前跳进的原则是 五跳五，根跳根，三音只能被跳入。

 

3.1，低音       如果是由六和弦跳出，则一定和旋律形成反向。
           （如果是由原位跳进到六和弦，不管是同向或反向都不会形成五八度，放心跳）

 

3.2，旋律声部   同上，如果是又六和弦跳至主和弦，则一定要和低音形成反向。

 

3.3，内声部     共同音保持。不保持作平稳进行的时候，至少有一个声部要形成反向进行。

 

3.4，双跳进     五音不要放在根音上方，否则双跳进会形成平行五度。跳进可发生在高声部&中音声部 （同向的跳进）或高声部&次中音声部（同向或反向的跳进）

 

 

4、六和弦与六和弦连接时的跳进

四五度关系的六和弦连接时，为避免平行五八度而在旋律声部发生根到根或五到五的跳进。二度关系的六和弦（S6-D6）在行进中有可能在高、中、次中任一声部中发生S6的五音跳进到D6根音的情况，但不常用。

 

总结两个六和弦连接时的规则：

4.1、低音不可避免地跳进

4.2、共同音保持或平稳连接

4.3、旋律声部跳进。或双跳进。

 

 

谈点儿个人对六和弦的小看法吧，不知道为什么自己总是听不太出来六和弦，对它的音响也不是很熟悉。单个来听的话，觉得跟原位没啥区别啊！？但是连接起来听就不一样了……因为六和弦，低音走向产生出三度，新的四度的音响。而且总伴随着声部跳进。看来六和弦出现的目的并不是为了让声部走得更平稳，反而是让声部被迫的跳进？而且由于和弦转位之后，音程排列的顺序有些变化，这些都是导致功能弱化，也就是我这个不留心听音乐的人对六和弦不敏感的原因吧！？

好歹第一幕写完了。

 

来总结一下问题。

 

1

 

结构。永远的不懂得控制结构。哪怕是在心里构思好了，在谱上写好划好了，成品也永远不是我想的那样（这种问题，我认为也许是因为自己平时听东西就根本没有注意别人的结构吧）。比如我在谱面上觉得这个乐句讲完了，可以转了，谁知道做成小样一听，很有可能还没到转折的地方！要不就是听觉上早觉得烦了，可是我在写谱的时候根本没有意识到！又比如转调，也是没有概念，乱转一气，要么就是按着理论设计的转调步骤转过去了，却听着很僵硬很不自然，自己在键盘上乱摸一气，终于找到自己觉得比较合适的方式了，却根本不知道到底是怎么过度过去的 ==|||

 

 

2

 

 

 

3

 

过于愤怒，想不起来要说什么了。

 

想起来了。那就是：化繁为简啊！乐器的空间感不要混乱啊！为什么我总是不记得这个原则呢！！？

为什么，用理论写出来的东西都这么老土……

 

“== |||  笨蛋，你真的敢理直气壮地说你有用到理论来写吗？”

 

“……”

 

ORZ……

 

为什么我的内心听觉会这么差呢……明明耳朵是固定调的，可是对和弦色彩的把握，对声部的把握，还是只能到一个最初级的水平。第一个和弦确立了之后不知道下一个该怎么走。主调确立了之后该怎么转出去也是心里没底。我要这样一边写一边在键盘上摸索到什么时候呢？

 

不做小样不知道，一听吓一跳。大提加倍低，那叫一浑浊啊……………

 

为什么我写东西的低频会停滞得这么厉害，没有一点儿流动性……………谁来救救我？

第一场。

 

 

目前还没有看到主创剪给我的片段，但心急怕时间来不及，先期动工。上帝保佑我没白干。

 

整体构想：看来是要走颓废+末日路线：夜幕，死气，工厂，忽明忽暗，黑影，剪辑琐碎……构成目前主观印象的主要部分。那么自带声像变化的打击乐LOOP最适合了。后期再做些音频处理，比如高通，EQ自动化啥的，尽量向琐碎靠拢。中高频有HIHAT，HYPERSONIC 2里有个HIHAT的LOOP，挂延时效果后颇有YOKO KANNO的噪音风格，用定它了。主题是俩平行乐句购成的平行乐段，f小调。怎么发展还没想好。但是在收尾的时候想用管弦推到高点再刹时停住，因为第二场的画面风格大变。

 

低频：目前由打击乐和倍低和大提构成，大提分三部，一部和倍低八度叠置走低音，另两部和钢琴八度叠置。效果实在不尽人意。一来，音源用的是超级管弦乐，大提高频太多，听起来像塑料。二来，是我写的问题；低音持续得太久，失去了推动力，音乐走不动。唯一值得宽心的是，用这样的塑料音源，小小地稍微地营造出弦乐的群感。不过照这么写下去低频一定会陷进一团混乱！！！！致命的缺陷是，如果用四部和声的观点来看，就是低级的平行，无对比，没律动，难以营造张力。如果还想在后面推高点，现在必须在配器上设计出“强--弱--次强--弱”的律动。难啊。

 

还是弊大于利。不写了。耳朵混。快崩了。

 

最大的感触是，内声部啊！！！！还是控制不住啊！！！！还是忍不住用和弦外音！！！！而且是随着感觉来那种。太痛苦了。一想到声部脑袋就爆炸。对于多声部我果然还是没有什么天分的。

 

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冷静！冷静！再冷静~！

 

我不要陷进自己的小想法~多想想大师是怎么做的！！

 

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终于看到剪出来的片段了。

 

自己觉得不满意。首先他的片子不是那种一下子就抓住人的好片子。其次，他非要用个皮鞋的声音在里面，完全打乱我的节奏。他画面很实，结果音乐也很实，不能互补。音乐和画面分开看都还不错，和在一起就都变得平平无奇了。总之不满意的地方太多了！

 

以下是昨天中午和主创的交流

 

我：“为什么画面这么稳定的？我还以为镜头会晃得很厉害呢”

 

创：“我也想晃啊……不过地方太小，晃就穿帮了”

 

我：“哦……可是，这样看来，主角并不是很痛苦啊”

 

创：“？  他不痛苦啊”

 

我：“……啥？”

 

创：“他不过是稍微寂寞而已。”

 

我：“你不是说要逃跑的么……”

 

“但是他不痛苦啊！这才第一场啊，要到后面才痛苦”

 

“什么……我……= =|||”

 

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更新：

 

低音走向的总结和归纳：

 

上四   I——IV

         V——I

 

下五   I——IV

         V——I

 

上二   IV——V

 

（正三和弦还真是好做啊）

 

转位出现后新增上下三和上下二：

 

下三   I6——I                                  上三     I——I6

         IV6——IV       相反的状态                  IV——IV6

         V6——V                                          V——V6

         I——IV6                                          IV6——I

         V——I6                                            I6——V

（看似数量繁多的连接可能性，其实红色字体的是自己转换的状况。真正产生在不同和弦之间的只有两种情况）     

 

 

下二   IV6——V              上二     V6——I

         I——V6                           IV——V

 

特殊情况：  IV——V6   下减五

当初学和声，和创作完全脱离，哪儿来的这么多规矩啊！！？谁定的啊！！？斯波索宾谁啊！！？

恩……完全的反感，自然没有意识到它对我这种缺乏多声部思维的白丁，在实践中的理论指导作用。

现在回头看啊……发现自己的想法是存在误区的。最关键的就是一直没把所谓的“多声部”当回事。反正是自由创作嘛！爱咋写咋写，都什么年代了，还上四下五，不能平八平五，七音解决啊？我觉得古典音乐差不多就是死板的代名词了！说直白点儿就是老土……更别提对排列法，原位转位所带来的音响效果能有什么认识。

 

其实啊，现在也还是没什么认识。只是觉得，把和声学完了，依旧的茫然。最大的问题是没音响概念啊！只能自己摸索。想起大一的第一节和声课，老师的一句话印象非常深刻，详细记不清楚了，但大意是，和声的基础很重要，近关系转调？找共同和弦就过去了！这是什么意思呢？当时不是很理解，现在看来，当时自己一直认为四部和声得学到后头，远关系，意外进行，同名大小等音转调了才谈得上色彩才谈得上动力！但老师的话告诉我，你转过去之后呢？还不照样是那几个和弦？换了个调而已。要是前面一四五一没掌握透彻，就算给你转过去了还不是一样做不顺？

 

所以不要把目标定得太高，调内的三个和弦要是还没玩转，别急着往后赶了。

 

这些问题都相当的初级。关键是吸收和运用理论也是一种才能和技巧，并且因人而异。有些人天赋极高，别说四个声部，再多声部也玩儿似的。像我这种先天不足，又不会它山之石用来补牢的，就只知道完成作业，做个和声题跟上吊一样。终于时间花了，废柴也练成了。

 

所以捏着鼻子重拾斯波索宾，那叫一感慨啊。每次路过农林X路，心里就愧疚。四年前我在这里捏着鼻子练，梦想着成为一个伟大作曲家。四年后的我已经承认了自己的无能，却还是在默默无闻地练着四部和声。你说，难道它就跟葵花啥典一样？不那个啥就练不成了？我可还没那决心啊！现在再练四部，最根本的原因是希望能培养内心听觉。这不是视练的内容吗？算是吧。从历史唯物的高度来看，个性决定了我这个人总是打着曲线救国的牌号正大光明地走弯路。

 

说这么多废话，其实是想告诉自己，废柴还是废柴，所以还是得捂着羞愧继续前行。练吧。

 

如果用“音程”的方式来考虑和声，似乎可以稍微脱离“规矩”樊篱带给我的痛苦。

“你的东西嘛，就是在800Hz~2000Hz之间太响。碰到高音上不去的歌手，人声的这个频段会被吃掉”

 

“低频部分的织体如果编得太复杂，同样会把人声的低频部分给吃掉”

 

“你们两个，怎么不怎么出声啊？”“我们在消化……”“你要不断地问别人问题，才能吸收到知识嘛！消化当然不是这个时候啦！这个是你们两个的致命的缺陷”

最近仔细研究了一下林华老师写的爵士和声的书，发现了令人感兴趣的东西。

 

书里有一个名词叫“和弦把位”，让我们来看看原文的说法：

 

“即兴演奏要求乐手们不假思索地在手下涌出美妙的和声，很少有人能够在这刹那之间，考虑升高七级同时又降低五级之类的运算。因此双手对于不同和弦在琴上的不同位置的掌握，就有着特别重要的意义。爵士乐手们把这种以手型去控制和声进行的技巧，称之为‘把位’（注释：原文为‘Voicing’似乎可以直译为声部化，但一般乐手用该词时更多的是表示手的姿势，因而改译为把位。）”

 

书中提到的把位有7种，其中最基础的就是 AB式把位：

 

 

现在用简谱的形式把两种进行的细部写出来，如下：

 

A式：

 

             3      3      2 

和声层： 1      7      6

             6      6      5

 

             4      4      3

  

  低音 ： 2      5      1

  标记 ： II9    V7     I6

                       9      9

                      13    

 

“为什么鼓的声部那么小声？”

 

我自以为提了一个很有水平的问题。

 

“………………”

 

“小声呢，是因为用套麦录的鼓。不行啊，越聊就越发现你什么都没学啊!”

 

“可是串声很大啊！，难道是还没做高低切？”干脆不敢问了。咽下去。

 

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“你不用倒茶给我，我要喝茶自己会倒！在公司里你不是倒茶给我喝的！”

 

 

SONY&BMG , 华纳 ， 环球 ， EMI.

 

BERANEK于1962年提出使用18种术语对音乐厅声音效果进行评价，以下是较为重要的10种：

 

 

亲近感：好象在一间小房间里听音乐的演奏，直达声和第一反射声之间小于20ms;

 

生动感：主要取决于房间对声音中高频的混响时间，如果混响时间不够，声音就会显得比较“干”；

 

温暖感：主要取决于生动感和丰满的低音。250Hz以下的混响时间应长于中高频；

 

直达声强度：主要取决于音乐的大小；

 

混响声强度：主要取决于混响时间和声源的强度；

 

清晰度：主要取决于直达声强度，一般总要强于反射声；

 

均匀度：主要取决于声场中是否有足够的散射，是否存在声聚焦或声阴影；

 

平衡感：主要取决于舞台设计，如果舞台设计宽于15米，舞台天花板高度应控制在10米以下，并采用不规则设计；

 

利于合奏：让演奏员互相间能够听到对方演奏的声音，以利于默契配合；

 

低噪音：环境噪声应小于20分贝；

 

                                                                       ————《音的历程》韩宝强著

 

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所见的关于监听耳机的几个指标

 

频率响应

 

传感原理

 

频率特性

 

额定阻抗

 

最大声压级

额定负载

 

总谐波失真

 

外型结构

 

 

烟灰一直在积累，快要烧到他的手指。

 

“那时候和别人组乐队，有一晚，突然来一个客人，喝醉了酒，提个啤酒瓶摇摇晃晃地走上来，对着DJ的头就猛地打下去……还有一次，有个人突然走到台上，对着我的手一刀砍下来，还吼着“你以后他妈的别弹吉他了”！我根本就不认识那个人……手指上的疤痕就是这么来的。”

 

他喃喃地说着自己的经历，窗外是阴沉的天。

 

后来我偷偷瞄了一下他说的那只被人砍过的手指，似乎也没什么伤口。

 

今天广州突然很冷，降温的幅度可以媲美漫天飞舞的发烧碟动态。

 

但是控制室里黄色的灯光和木块，却透着让人感到温暖的安稳。

 

他们都很拽，因为有时间慢慢捣腾，一轨BASS可以来来回回录上十个小时，不是煎熬是快乐。

 

我心想，还没有谁允许有这样充裕的时间，一般的歌伴奏哪怕是8 6 4 4 2的配置也就是一遍过，DOUBLE两遍数钱走人。

 

“再大牌的歌星，到了棚里都很听话。你跟他/她说，这里的颤音不对，人家问你，那怎样的颤音才对？你怎么回答？不要等到乐手来了才和他们一起发现问题，要解决问题的人是你。”

数字音频：

 

低通滤波器真的很重要，在采样时候首先滤除人耳听不到的声音以及担负起还原声音面貌的作用；

 

其次可以限制采样频率一倍以上的声音不进入，避免产生无可挽救的混叠现象。

 

那么问题是，现在有录音棚这么干的么？声音先经过一个滤波器？谁敢？

 

还是说A/D转换器中已经内置了滤波器的电路？

 

另外，谁能告诉我傅立叶定理（还有傅立叶变换），到底它和“谐波”有什么关系啊？谁是爹谁是孩儿啊！？

 

     

Cubase长度量化：

 

Midi--->Advance Qutianze-->Qutianze Lentgh